During the twenty years separating Gratien Gélinas's Tit-Coq in 1948, a play considered a foundation piece of Québécois (as opposed to French-Canadian) dramaturgy, and the 1968 creation of Michel Tremblay's Les Belles-Sœurs which opens the era of ‘new’ Québécois dramaturgy, Quebec society underwent a radical change. It was no longer traditional, religious and rural, but had become fully urbanized.

A quarter of a century later, Michel Tremblay has published over twenty books—novels, plays and screenplays—composing an original body of work which reflects, sometimes almost clinically and through the use of joual (the idiomatic French spoken in the working-class district of East Montreal) the local Québécois reality. At the same time, it has a universal value: to a typically Montreal universe, Tremblay's creation integrates dramaturgical influences ranging from Greek tragedy to Tennessee Williams. The result is a unique and strong combination of a musical language, with powerful monologues and vivid dialogues, and of innovative dramatic structures reflecting (in a lucid and ironic manner) a society in quest of its identity, torn between traditional values centred on the family unit, and the liberating, dream world of the theatre.

Après avoir établi que le théâtre et la recherche théâtrale au Canada ont poursuivi une évolution parallèle, l'auteur examine la nature et les contributions de cette recherche au cours de ces vingt dernières années, période pendant laquelle il a lui-même participé à ce cheminement. En tant que discipline universitaire, la recherche théâtrale s'inscrit, en quelque sorte, dans une idéologie «alternative» semblable à celle qui a amené la création d'un théâtre national, écrit et produit par et pour les Canadiens. Cette idéologie, fondée sur une activité dite «professionnelle» et «nationale» à laquelle on appliquait les grilles théoriques et méthodologiques agréées par la discipline, a servi à proposer des normes ou des cadres théoriques définis sur un mode empirique ou documentaire. Mais cette discipline «alternative» est désormais remise en question par une érudition nouvelle qui en identifie les faiblesses et explore certains aspects jusqu'ici occultés ou marginalisés de la création dramatique.

Jean-Pierre Ronfard's Vie et mort du Roi Boiteux, an impressive six-play cycle telling the story of King Richard ‘Premier’ (i.e. ‘The First’, but Premier is meant here as a family name, as would be Jones or Smith), was created in 1981 and has been seen ever since as a landmark in the recent evolution of Québécois drama. It starts out as games played by children in a back lane and focuses on a limping boy who will be king. The limping king whose story is told as a ‘play-within-a-play’ refers to Oedipus's club foot as well as to Shakespeare's deformed Richard III. The story is heavily parodic, set simultaneously in all parts of the world and at all times, so that Marilyn Monroe and Queen Nefertiti can meet, as well as Brecht and Aristotle. Each play has been staged separately, but the full cycle was occasionally done in succession, a spectacular event lasting fifteen hours. The subject of this article is the very first full-length production, done partly outdoors, on 24 June 1982, in Montreal.

Le théâtre canadien anglais a toujours été et est encore un art marginal. Bien que certaines transformations culturelles et économiques–nous pensons, par exemple, à la poussée exponentielle de la culture de masse–aient contribué à marginaliser le théâtre, au Canada aussi bien que dans le reste du monde, nous considérons que cette marginalisation constitue un élément positif de la culture post-coloniale et postmoderne. Le théâtre Canadian anglais, plus que tout autre, est un produit presque exclusif des théâtres «à cote», ou alternatifs. Trois pièces récentes, deux écrites en anglais (Love and Anger de George F. Walker et Dry Lips Oughta Move to Kapuskasing de Tomson Highway) et une en français (Á toi, pour toujouis, ta Marie-Lou, de Michel Tremblay dans la traduction de John Van Burek et Bill Glassco), présentent en raccourci l'esthétique actuelle du nouveau théâtre canadien, qui est ici analysé dans les rapports complexes entretenus entre les divers courants d'activité théatrale, tant au point de vue de la représentation de ces pièces que par rapport à leurs structures textuelles.

Les œuvres des dramaturges contemporains canadiens-anglais, Margaret Hollingsworth, George F. Walker, Judith Thompson et Beverley Simons entre dans la catégorie de la «dramaturgie de la perversité». La «perversité» est, selon Knowles, un principe structurel dialogique qui remet en question les concepts aristotéliciens du renversement et de la reconnaissance, aussi bien que les notions modernistes de pureté, de clarté et de cohérence. Est pervers ce qui fait éclater les concepts traditionnels tels que la convergence et l'unité, et toutes les stratégies théâtrales mises en œuvre pour fragmenter la perception du spectateur, pour l'obliger à repenser sa position vis-à-vis de l'objet spectaculaire, c'est-à-dire, à se repenserr. Knowles se propose, done, d'analyser ici les pièces les plus représentatives de ce courant choisies parmi les œuvres des quatre auteurs cités.

The purpose of this article is to examine theatre in Quebec as the site of transformation of its collective images as they have evolved through theatrical texts over the past twenty years. Quebec society, in a constant state of mutation as it searches for its national identity, has been particularly receptive to forms of theatre that emphasize the theme of the family. For example, the first important work of this ‘new theatre’ which dared to liberate the language from its French model was Tremblay's Les Belles-Sœurs, a play where all the action is located in a kitchen and whose characters are all women. In the development of Tremblay's work, we see how the discourses of women are taken over by masculine characters, mediated through the transvestite within a homosexual theme and finally liberated from the feminine model by the affirmation of the homosexual couple. In other more recent works, playwrights such as Normand Chaurette and Michel Marc Bouchard, have incorporated the search for a patrilinear descent into the very heart of the family conflict where the mother is put to death in a ritual killing, presented either as a ceremony (Chaurette), or as the unfolding of a myth (Bouchard).

In all these cases, the evolution of the fictive family structure is the projection of social transformations taking place in Quebec where the maternal heritage, represented historically by France, is necessarily damaged and eventually eliminated in order to lay claim to a political structure which confirms the rights of the father.