La question de l’existence de substrats cérébraux spécifiques à la musique n’est pas nouvelle. En neurologie, à la fin du 19e siècle, les premières observations de dissociations cliniques montrant des patients aphasiques sans trouble amusiques ou l’inverse, ont appuyé initialement l’idée de régions cérébrales dédiées spécifiquement à la fonction musicale. Cependant la généralisation de ses observations à la population générale restait difficile.

Près d’un siècle plus tard, l’émergence des techniques de neuroimagerie a permis de reprendre cette question est de montrer le chemin emprunté par des stimulations musicales dans le cerveau. Tout d’abord c’est la question de l’autonomie entre langage et musique qui a suscité le plus d’études, bien qu’encore rares dans les années 1990. Plus récemment l’intérêt des neurosciences pour la musique s’est vu décuplé par la question de la neuroplasticité. Effectivement, l’apprentissage musical est un formidable modèle afin de comprendre les phénomènes de plasticité cérébrale, tant fonctionnelles (l’activité se modifie avec la pratique) que structurales (épaisseur corticale et densité des fibres de connectivité). Cependant, il n’y a pas que la pratique de la musique qui change le cerveau, l’écoute seule a déjà des effets neuroplastiques avérés, dont l’observation peut être également faite à partir de modèles animaux. Mieux comprendre et quantifier ces phénomènes permettent de donner une assise plus objective à l’intérêt indéniable des pratiques cliniques de prises en soin des patients par la musique.

L’envahissement du patient halluciné par ses « voix » le confronte à la douloureuse expérience d’être traversé par la voix et le discours de l’Autre sans pouvoir aucunement s’en prémunir. Il se fait alors « porte voix » ou « porte parole » de l’Autre, se dépossédant ou ne pouvant accéder ainsi à sa propre voix et à sa propre parole. Cette position subjective signe chez lui l’impossibilité d’avoir pu se séparer, d’avoir pu s’assourdir à la voix primordiale qui, à partir de là, continue à le poursuivre de ses implacables injonctions. Nous avons pu tous repérer, au cours de nos rencontres avec ces patients hallucinés, comment ils tentent spontanément d’élaborer des stratégies pour tenir à distance ces phénomènes intrusifs. Cris poussés pour tenter d’ériger des murailles sonores, transistors – il y a quelques années… – vissés à l’oreille ou baladeurs déversant de façon continue de la musique permettant de circonscrire l’espace la voix, textes « anodins » répétés à haute voix sans fin pour introduire un effet de signification là il n’y a que vocifération… sont autant de tentatives de venir enchaîner des voix hors la loi. A partir de la reprise du récit de la rencontre de Jason et des argonautes avec les sirènes, du dispositif inventé par le célèbre castrat Farinelli au xviiie siècle pour soigner le roi d’Espagne et enfin de séquences cliniques issues de ma pratique, je m’attacherai à montrer comment un dispositif musicothérapeutique peut se constituer, dans certaines conditions, en « piège à voix » permettant aux patients de pacifier leur voix dans une relation thérapeutique où la musique est le médium du transfert.

La perspective phénoménologique voit dans le trouble mental la manifestation des fondements, et dans la création artistique, l’expression des aspects les plus essentiels de l’expérience humaine : la souffrance du génie ne saurait-il pas mieux témoigner des ressorts nécessaires à la conduite heureuse du quotidien ? Le bonheur se dit aussi en musique et le lien du sonore, de l’harmonie et de la profondeur, pour détenir la puissance évocatrice de l’émotion originaire, peut en coûter au plan existentiel et dans son appel violent, défaire tout autant la musique que le musicien. Genèse d’une musique populaire célèbre pour notre génération, l’invention du Pink Floyd par Syd Barrett [2] contient cette leçon de vie où à trop vouloir déconstruire pour le bonheur de tous, l’artiste se défait lui-même, offrande douloureuse au destin magnifique des génies. Dans une tentative « ante-festum » extrême et périlleuse d’arrêter le temps par la musique, dans sa distorsion et sa déconstruction même, dans l’excès des artifices les plus dangereux pour y conduire [1], il inaugure l’aventure des expérimentations psychédéliques et en même temps sa propre fin, 30 ans de retrait autistique au terme d’une année d’une fécondité exceptionnelle. Affleurent en négatif les secrets de la patience existentielle [3] seule à même de conjuguer l’ordre et la mesure, sagesse anthropologique que cruellement l’art, et même celui de la conduite de la vie la plus ordinaire, invite continûment à dépasser. C’est au génie le plus personnel de chaque patient que s’adresse la question vitale en psychiatrie.

An aging population and increasing rates of dementia point to the need for alternative strategies that allow individuals to age in place. This multiple case study explored, from an insider’s perspective, the role and meaning of music for individuals with dementia who are aging in place. Methods were semi-structured interviews, observations, and videos. The study’s central theme is connection, with three types of “connectors” – self, partner, and music – as subthemes. Connection to self involves present moment awareness, accessing memories, and self-expression. Connection to partner builds on self-connection and spending time together with music. Lastly, the connection to music builds on the previous two subthemes as well as the desire to keep things “normal”. This study provides insight into the growing body of interdisciplinary literature dedicated to dementia, music, aging in place, and contemplative practices, as well as implications for aging and caring for someone with dementia.